Los Límites de la Corporalidad

Exposición colectiva en la sala 8 del Museo de Arte contemporáneo de Caracas MAC

El cuerpo, desde la escultura, transformado, trasmutado y transfigurado para expresar y trascender la piel como confín de la expresión de sus sentimientos, emociones e interpretaciones es ofrecido por un grupo de artistas que se han formado en la Universidad Nacional Experimental de las Artes.

Prensa Fundación Museos Nacionales-MAC (21.03.17) Desde este domingo 26 de marzo, a las 11 de la mañana, el cuerpo como elemento que se transforma, trasmuta y transfigura para expresar y trascender su interior, está albergado en la sala 8 del Museo de Arte Contemporáneo, cuando inauguró la exposición Los límites de la corporalidad. Una colectiva que devela la visión y concepción de seis jóvenes artistas venezolanos.

            Estos nóveles creadores, cursantes algunos, ya egresados otros, de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), son Liz Bermúdez, Miguel Contreras, Pablo García, Shehaweh Gutiérrez, Carlos Jairran y Enderina Montiel. Cuentan con una labor escultórica sólida y reflexiva resultado de la orientación de sus estudios formales hacia el cuerpo humano como objeto de interpretación y conservan lazos con la escultura tradicionsal vinculada a una figuración hacia la abstracción orgánicainfluenciada por Brancusi, J. González, Moore, Giacometti, por nombrar algunos importantes referentes.

            La muestra, cuya curaduría corresponde a Rommel Hervez, propone y responde diversas incógnitas sobre la escultura contemporánea venezolana y destina la piel como esa frontera de lo corporal desde la que el cuerpo transita hacia «algo», como lo explica Hervez: “Esta membrana corporal es entendida como el «límite del cuerpo», para hablar de lo que acontece dentro del ser humano por acciones externas (…) La piel entendida como campo de batalla de los sentimientos y de los razonamientos, el lugar donde acontecen interrogantes e interpelaciones ¿La incertidumbre? (…) La piel como territorio del límite exige ser desbordada y extralimitada”.

            Comenta el curador que Bermúdez y Contreras representan a seres famélicos que sugieren un denso peso corporal y un decaído reptar. En tanto que, entre Gutiérrez y Jairran aflora una metáfora del vacío (en el primer caso por la ausencia y fragmentación de partes del cuerpo, sugeridas por un vacío que revela una tensión -en reposo-; y en el segundo, una seducción y presión entre materialidad corpórea y espacialidad). Por su parte, García y Montiel presentan piezas que denotan etericidad-elasticidad y reflejan un sentimiento de aullido silente.

            Los límites de la corporalidad está compuesta por 26 obras que incluyen variados materiales, técnicas y dimensiones y permiten al visitante un recorrido a través de un discurso que integra miserias humanas, expresión de sentimientos, desfiguración y exageración de expresiones faciales y corporales, lo fantástico, subjetividades de los artistas ante objetos, lugares, las esculturas y los espectadores, gestualidad y expresión corporal, fragmentos del cuerpo, pensamientos y emociones.

            Los límites de la corporalidad se mantendrá abierta hasta el 21 de mayo gracias al apoyo del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, a través de la Fundación Museos Nacionales. ¡No deje de asistir! (Fin / FMN. T / Ana Dos San

Miguel Contreras

Shehaweh Gutiérrez

Carlos Jairran

Liz Bermúdez

Pablo García Sanoja

Enderina Montiel

(fotos cortesía Ultimas Noticias)

http://www.ultimasnoticias.com.ve/noticias/entretenimiento/fotos-la-piel-prision-transformacion/

Provehito in Altum

En esta ocasión tuve la gran oportunidad de trabajar con la joven creadora Seleny Arias en este momento tuvimos una conexión bien interesante ya que ella venía trabajando en una propuesta a través de imágenes de su cuerpo, compartíamos muchos criterios y reflexiones, lo que hizo de este proceso una experiencia bastante enriquecedora, la cual les contaré un poco a continuación:

Veo el trabajar con modelo vivo más allá de tener una referencia corporal y anatómica propia del modelo, no me interesa reproducir fielmente la realidad o retratar al modelo tal cual es, ya que si vamos a mi caso podría ser más un autorretrato. Me interesa observar cómo en el cuerpo al natural se observan un universo de volúmenes, pliegues que generan pesos y relieves que se proyectan a partir de músculos, organos internos y huesos, es como si cada detalle tuviese un carácter propio, cobrando así vida en la piel y quisiera decir algo. Veo al cuerpo plenamente capaz de decir algo con solamente la sugerencia de un movimiento o con una tensión muscular, entonces ¿Cuántas cosas podría decir una escultura? Si es así, posibilidades parecen inagotables.

Creo mucho en la espontaneidad, cada vez que entro al taller a modelar algo nuevo, no me preocupo en hacerme la pregunta de ¿qué voy a decir? o ¿Qué voy a hacer? para mi, más importante es la energía con la que entro a mi espacio de trabajo, mis influencias, afectado por mi entorno, hasta en lo que escucho y veo. ¿si tengo dudas? sí. pero la escultura en estos casos ha sido mi respuesta. de las más sinceras que podría tener.

                           

Al modelar, teniendo a la modelo en el taller, me interesa crear un ambiente de confianza. que esta persona, al estar allí, se sienta tan libre y capaz de poyectar lo que sienta con total siceridad. en esta parte, el trabajo podría decirse que es algo colectivo, primero dejo que libremente se mueva por el espacio, al momento de encontrar algo con lo que me siento conectado entro a componer sugiriendole algunos cambios en su postura que podrían proyectarse con más carácter hacia el vacío, a partir de esto compongo la estructura:

La estructura es lo más importante al crear una escultura, ya que esta es como el alma de la pieza, es la que define las proyecciones del cuerpo que esta escultura tendrá hacia el espacio, cómo se desenvolverá y como se distribuiría la proporción en el cuerpo. en la estructura ya debe verse la escultura proyectada, ya debe decir, tener gesto, si la estructura sola ya dice algo, el trabajo está ya casi hecho.

Veo el modelado partiendo de la estructura como si estuviese construyendo un cuerpo, de adentro hacia afuera, desde la estructura (esqueleto) organos internos, músculos y finalmente la piel, de esta forma me aseguro de que toda proyección del cuerpo venga como un movimiento que se genera desde lo interno.

Provehito in Altum es una serie de dos piezas que están actualmente exhibidas en la Sala 8 del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en el marco de la exposición colectiva ¨Los Límites de la Cororalidad¨ a parir del 26 de marzo hasta el 21 de Mayo de 2017.

Escultura en Proceso.

Maquetas

Despues de mi trabajo especial de grado, he dejado de asistir al teller de la universidad y he vuelto a Maracay, mi ciudad de origen, dónde me he dispuesto a elaborar piezas de pequeño formato mientras habilito lo que va a ser mi propio espacio de taller. Acá les dejo algunas imágenes de las maquetas.

Titulo: Inmersión

Material: Bronce sintético

Medidas: 23cm x 11cm x 10cm

Peso: 0.344 kg

Año: 2015

Título: Hombre en la cuerda floja

Material: Bronce sintético y hierro

Medidas: 44cm x 38cm x 18 cm

Peso: 1.170 Kg

Año: 2015

Título: Ícara

Material: Resina y hierro

Medidas: 37cm x 13cm x 10cm

Peso: 0.790 kg

Año: 2015

Cuerpos Cinestésicos. TEG en el Museo Jacobo Borges.

El pasado viernes ha sido mi defensa de trabajo especial de grado y exposición de esculturas. Estoy muy agradecido porque he contado con el apoyo, participación y asistencia de muchas personas durante el proceso de realización de este proyecto así como el día de exposición pública, la cual ha sido en el Museo Jacobo Borges, ubicado en el Parque del Oeste ubicado en la Ciudad de Caracas.

La exposición cuenta con la visual de cinco esculturas que conceptualmente representan unas figuras humanas las cuales sugieren movimientos de danza, sobre lo alto de unas bases de hierro, visualmente inestables, se encontrarían interviniendo el espacio de la sala 5 (antesala al auditorio) del Museo Universitario Jacobo Borges. Dichas piezas de pequeño formato a escala 1:3 de acuerdo a la escala humana, se distribuyen en el espacio sobre sus respectivas bases de hierro, de distintas alturas y guardando distancia entre una pieza y otra, generando así una composición que permitirá un recorrido dentro del espacio determinado.

Esta composición se ajusta a lo que las esculturas interpretan: una coreografía en la que las figuras humanas danzan, desafiando al vacío desde las alturas de las bases, cuya profundidad oscila entre 1 a 2 metros, que las posiciona frente a un límite y por las inclinaciones de las bases, podría generar la idea de equilibrio inestable, creando de esta manera una tensión amenazante, de una posible caída.

Los espectadores al pasearse bajo estas cinco esculturas podrían encontrarse en un estado de tensión constante, haciendo a éstos moverse hacia la pieza siguiente y ésta los envíe a la próxima, generando así el recorrido, al ellos evadir la caída que sólo está sugerida, por lo que estas piezas vaciadas en resina, son fijadas a sus bases a través de un anclaje y dichas bases tienen un soporte, cuyo contrapeso de concreto las mantendría fijas al suelo. 

En este sentido las esculturas que se encuentran en la sala 5, estarán en diálogo con el espacio externo del parque del oeste al estar posicionadas frente a los ventanales, que a través de estos se proyectará otra escultura con un formato mayor a la escala humana, estaría instalada cerca de la entrada del museo. Esta pieza, elaborada en resina,  tiene un peso cerca de los 30 kg, sostenida por una base inclinada a 70 grados, de hierro negro a una altura de 3, 5 metros, anclada al suelo. Este personaje ubicado al aire libre interviene un espacio de tránsito en el parque, crearía una relación con los transeúntes, debido al movimiento y tensión que sugiere, además de la relación de la figura con las texturas, pátinas que simula al e bronce, entre tonos verdes y turquesa, pátina que dará la idea de que son esculturas macizas y pesadas que podrían moverse de su lugar, haciéndolas más libres y destacadas sobre la altura en que se encuentran.

Para finalizar, una imágen de la pieza, vista desde la sala. Foto tomada por Amílcar González

Esculturas para trabajo especial de grado

Sí señores, ha llegado el momento en el que debo cumplir con un requisito fundamental para ser un egresado de UNEARTE y obtener un título como Licenciado en Artes Plásticas mención Escultura, que es mi trabajo especial de grado, sólo es una menta cumplida que me dará la posibilidad de poder plantearme otras metas próximamente.

Emocionalmente no va a ser fácil dejar de asistir al taller de esta universidad, taller que a lo largo de estos 4 años, se ha convertido en un hogar para mi en el que experimenté y disfruté de momentos muy especiales junto a amigos, maestros y un montón de personas excepcionales y talentosas a través de lo que ya considero como mi pasión y proyecto de vida: la escultura.

En este momento estoy realizando a la par el trabajo escrito y el práctico (escultórico) que deben dialogar uno con el otro, ya que en mi caso, mi planteamiento teórico y conceptual parte de mi experiencia práctica de taller, y bueno creo que es momento de que comparta un poco de lo que he ido trabajando, entre maquetas, bocetos y procesos de las esculturas definitivas que estarán presentes en la defensa de tesis.

                 

   

FOTOS: Patricia Vielma Gil